Resumen La exposición de una voz que se desintegra, se desprovee de su carácter comunicativo y se hunde en un estrato precultural y protolingüístico, vertebra la obra vocal de Meredith Monk. Con su trabajo, la creadora (desde un modelo estético plural que abarca la actividad dramática, poética, musical y audiovisual( explora el terreno de la antropología de la cultura. La voz, en este modelo compositivo, se repliega tanto sobre su raíz musical como sobre técnicas expandidas: susurros, gritos, risas. En las siguientes páginas se ofrece una visión sintética de esta propuesta creativa desde una base epistemológica vertebrada por medio de motivos como el juego, la mímesis, la dialéctica entre composición y descomposición y el concepto de musilenguaje. Este último, trabajado por autores como Robert N. Bellah, Steven Brown o Steven Mithen, comprende la música como base del habla.

Abstract Meredith Monk’s vocal music is defined by the presence of a disintegrated language -a language which has abandoned its normative nature- The voice, accompanied by a thorough gestural language, falls into a precultural, protolinguistic stratum. With his work, Monk -from a wide variety of aesthetics proposals: music, poetry, dramaturgy, audiovisual- gets into the area of Cultural Anthropology. In her compositions, the voice emerges always as music, but this music, first and foremost, seeks refuge in different human expressions as sighs, moans, screams or laughs. Throughout the following pages a synthetic view of Monk’s aesthetics from an epistemological basis will be shown, a basis where notions like game or mimesis play an axial role, as well as some others notions related to those, especially the dialectics between creation and decreation, or the concept musilanguage (as proposed by Robert N. Bellah, Steven Brown and Steven Mithen). This last term refers to music as basis of language.

Resumen Durante la década de 1950 Karlheinz Stockhausen adhirió a los principios modernistas promovidos por la Escuela de Darmstadt que dieron lugar al desarrollo del serialismo integral. En su búsqueda de renovación del lenguaje musical, Stockhausen intentó aplicar esta técnica a la composición de obras electrónicas en el laboratorio de la WDR (Westdeutscher Rundfunk) en Colonia. Este artículo indaga, por medio del concepto de mediación técnica propuesto por Bruno Latour, cómo el intercambio de propiedades entre humanos y no humanos propiciado por el laboratorio fue modificando el proyecto serial. Como resultado de ese proceso, Stockhausen compuso una serie obras que no pudieron ser completamente prefiguradas a priori , hecho que demandó la creación de nuevas formas de escucha y notación musical. A partir de ello, buscaremos caracterizar la práctica compositiva de Stockhausen desde una perspectiva no modernista, haciendo hincapié en el carácter híbrido y relacional de los eventos musicales.

Abstract During the 1950s Karlheinz Stockhausen adhered to the modernist principles promoted by the Darmstadt School that led to the development of integral serialism. In his pursuit of renovation of the musical language, Stockhausen tried to apply this technique to the composition of electronic works at the WDR (Westdeutscher Rundfunk) laboratory in Cologne. This article inquires, through the concept of technical mediation proposed by Bruno Latour, how the exchange of properties between humans and non-humans inside the laboratory modified the serial project. As a result of this process, Stockhausen composed a series of works that couldn’t be completely prefigured a priori , a fact that led to the creation of new forms of listening and musical notation. From that, we will seek to characterize Stockhausen’s compositional practice from a non-modernist perspective, emphasizing the hybrid and relational character of musical events.

Abstract The article discusses about the parallelism between pictorial and musical cubism. We expound the theoretical principles of pictorial cubism and the first notions about musical cubism, mainly in the music of Igor Stravinsky. Likewise, we analyze the spatial representation in music concerning the pictorial perspective and “reverse perspective” or “multi-centric composition” of the ancient Byzantine and Russian art.

Resumen El artículo trata sobre el paralelismo entre el cubismo pictórico y musical. Se exponen los principios teóricos del cubismo pictórico y las primeras nociones del cubismo musical, principalmente en la obra de Igor Stravinsky. Asimismo, se analiza la representación del espacio en la música en relación con la perspectiva lineal pictórica y la “perspectiva inversa”, o “composición multi-céntrica”, del antiguo arte bizantino y ruso.

Abstract This paper analyzes the content of the villancico Guineo a 5, Eso rigor e repente, written by Puebla’s chapel master, Gaspar Fernandes, at the beginning of the seventeenth century. Inside this composition, some textual elements reflect the daily reality and the vision that society in the city of Puebla and the New Spain had about the African and Afro-descendant populations. Through the villancico lyrics analysis, it stands out the identification of African or Afro-descendant religious and spiritual thinking elements (specially Bantu), probably as a reference to the Afro-descendant catholic religious practices made by this community. Puebla was an urban space with black brotherhoods and Afro-descendant musicians inside the Cathedral musical chapel by the time this guineo had been written and presented.

Resumen Este artículo presenta el análisis del texto del villancico Guineo a 5, Eso rigor e repente escrito por Gaspar Fernandes, maestro de capilla de Puebla, a comienzos del siglo XVII. En dicha composición se pueden percibir ciertos elementos que remiten a la realidad cotidiana y a la visión que la sociedad tenía de los africanos y afrodescendientes en la ciudad de Puebla y la Nueva España. Destaca en este análisis la identificación de elementos de pensamiento espiritual y religioso africano o afrodescendiente (principalmente bantú) en el villancico, probablemente como una referencia a las prácticas de religiosidad católica afrodescendiente realizadas por esta población. Puebla fue un espacio urbano donde hubo cofradías de negros y músicos afrodescendientes dentro de la capilla musical catedralicia al momento en que se escribió y estrenó este guineo.

Abstract: The development of creativity through group work has special relevance in formal contexts of music education. This study describes and analyzes a teaching unit of rhythm composition in groups, as part of a music course, with emphasis on elements related to creativity and collaborative learning. A case study method was used, in which the participants were sixteen secondary students from a school in Chile. Through reflective, creative, and interpretative activities, the students attained the proposed educational objectives. During the process, elements were observed that coincide with the characteristics of pedagogical/creative practices in formal education--elements considered relevant for strengthening knowledge that is linked to creativity and is consistent with the definitions and characteristics of collaborative learning.

Resumen: El desarrollo de la creatividad a través del trabajo grupal tiene especial relevancia en contextos formales de educación musical. Este estudio describe y analiza una unidad didáctica de composición rítmica grupal -dentro de la asignatura de Música- poniendo énfasis en elementos relacionados con la creatividad y el aprendizaje colaborativo. Se utilizó un estudio de caso y los participantes fueron 16 estudiantes de educación secundaria en un colegio chileno. A través de actividades reflexivas, creativas e interpretativas, el alumnado alcanzó los objetivos de aprendizaje propuestos. Durante el proceso se observaron elementos que coinciden con las características de las prácticas pedagógico-creativas en la educación formal; son considerados relevantes para fortalecer saberes vinculados con la creatividad y son consistentes con las definiciones y características del aprendizaje colaborativo.

Resumen Este artículo utiliza la conocida canción popular My Funny Valentine y una grabación particular de esta realizada por Miles Davis como base para analizar algunos procesos psicológicos en la improvisación y en la composición musical. Se desarrollan cuatro temas principales, entre ellos las formas en que los músicos que improvisan son capaces de reinterpretar completamente la estructura de una pieza, y se examinan las implicaciones de esto para la educación y la creatividad musical. También se exploran algunos de los procesos que permite la improvisación y se evalúan sus implicaciones educativas.

Resumo Este artigo utiliza a famosa canção popular My Funny Valentine e uma gravação particular desta feita por Miles Davis, como base para uma análise de alguns processos psicológicos na improvisação e composição musical. Desenvolvem-se quatro temas principais, incluindo as formas como os músicos de improvisação são capazes de reinterpretar completamente a estrutura de uma peça, e examinam-se as implicações disto para a educação e a criatividade musical. Exploram-se também alguns dos processos fundamentais da improvisação e avaliam-se as suas implicações educativas.

Abstract This article uses the well-known popular song My Funny Valentine and a particular recording of it by Miles Davis as the basis for an analysis of some psychological processes in musical improvisation and composition. It develops four main themes, including the ways in which improvising musicians are able to completely reinterpret the structure of a piece, and examines the implications of this for education and musical creativity. It also explores some of the processes underlying improvisation and assesses their educational implications.

Absract: The link between music and politics during the consecration of the Puebla Cathedral on April 18, 1649, has taken on new relevance given current debates on the role of this art in history when studied from two complementary angles. The first analyzes the careers of the primary protagonists and the roles they played in the plainsong ceremony that inaugurated the consecration rite, while the second examines those extraordinary and symbolic elements utilized in the process of musical composition, in this case of the mass Ego Flos Campi by Juan Gutiérrez de Padilla (15501664), the cathedral’s Kapellmeister. Through an emphasis on how sound articulates situations of ceremonial and political performativity - such as the words of a liturgical text - this analysis traces the connections between music, painting, the configuration of the cathedral chapter and political changes under King Philip IV. Fortunately, current musicology no longer argues that the greatest works should overcome the social and economic factors that surround them and artistic creation is considered to be a point of intersection between these and other, complementary parameters. All too often, however, musical composition is described as a result and not an agent. This article takes the perspective that both musical creation and execution can promote specific political content.

Resumen: El vínculo entre música y política durante la celebración de la consagración de la Catedral de Puebla, el 18 de abril de 1649, cobra vigencia y alimenta los actuales debates sobre el papel de este arte en la historia cuando se estudia desde dos ángulos complementarios. El primero, analiza las trayectorias de los principales protagonistas y las funciones que asumieron en la ceremonia ejecutada en canto llano que dio inicio al rito de consagración. El segundo, pondera elementos extraordinarios y simbólicos utilizados en el proceso de composición musical, en este caso, en la misa Ego Flos Campi de Juan Gutiérrez de Padilla (15501664), maestro de capilla de la catedral angelopolitana. A partir del énfasis que la articulación del sonido otorga a situaciones de performatividad ceremonial y política -así como a determinadas palabras del texto litúrgico-, el análisis de evidencias traza vínculos entre música, pintura, conformación del cabildo catedralicio, conflictos políticos y cambios en la dirección de la monarquía de Felipe IV. Afortunadamente la musicología actual ya no sostiene que las mejores obras deben rebasar los factores sociales y económicos que las rodean; hoy la creación artística en general se considera un punto de intersección entre éstos y otros parámetros complementarios. Sin embargo, con demasiada frecuencia, la composición musical se describe como resultado y no como agente. El artículo respalda una perspectiva diferente al enfatizar que ambas, la creación y la ejecución musical, pueden promover contenidos específicos de orden político.

Abstract Music software have revolutionized the way musicians nowadays develop their musical practice in terms of composition, musical arrangements and orchestration, that is why in the present research the objective was set; to determine the influence of music software in the teaching-learning process of music students at the Nacional University of the Altiplano in Puno. The approach was quantitative, being the design quasi-experimental and applied instruments such as pre-test, and post-test, for the collection and analysis of data, resulting in students have new skills in the process of composition, musical arrangements and orchestration, using the Sibelius and Finale software, compared with traditional techniques; It is concluded that there is a significant influence of the use of the Sibelius and Finale software in the teaching-learning process of the students; since it was observed that there was improvement in the development of the abilities in composition, musical arrangements and orchestration.

Resumen Los softwares musicales han revolucionado la manera de cómo los músicos en la actualidad desarrollan la práctica musical en cuanto a la composición, arreglos musicales y orquestación, es por ello que el presente estudio se planteó como objetivo; determinar la influencia de los Software musicales en el proceso de enseñanza-aprendizaje de los estudiantes de música de la Universidad Nacional del Altiplano Puno. El enfoque fue cuantitativo, siendo el diseño cuasi experimental y se aplicó instrumentos como el pre test, y post test, para la recolección y análisis de los datos, teniendo como resultado que los estudiantes tienen nuevas aptitudes en el proceso de la composición, arreglos musicales y orquestación, utilizando los Softwares Sibelius y Finale, en comparación de las técnicas tradicionales; Se concluye que existe influencia significativa del uso de los Softwares Sibelius y Finale en el proceso de enseñanza-aprendizaje de los estudiantes; ya que se observó que hubo mejora en el desarrollo de las capacidades en la composición, arreglos musicales y orquestación.

Divertissement sériel, for nine instruments, by Susana Baron-Supervielle (1910-2004), was composed in 1952 during the composition courses given by Hans-Joachim Koellreutter at the Escola Livre de Música da Pró-Arte de São Paulo, and premiered under his conduction during his first trip to Tokyo in 1953. The following year, it was performed in Paris. The path followed by the circulation of the work copies the ways adopted by Susana Baron-Supervielle after assuming the historical challenge of practicing the music of her time. Born in the bosom of a family close to the intellectuality from Buenos Aires, and with relatives in France, she made her first inquiries around the renovation of the musical language at the beginning of the 30's. After that, she settled in São Paulo and, later, she was part of Agrupación Nueva Música leaded by Juan Carlos Paz in Buenos Aires. The aim of this paper is to elucidate the relations that Baron-Supervielle established with the musical environment of São Paulo; characterize her compositional practice through the analysis of the recording of the mentioned work; and describe the interpersonal nets that emerge from the circulation of the work.

Divertissement sériel, para nueve instrumentos, de Susana Baron-Supervielle (1910-2004), fue compuesta en 1952 durante los cursos de composición dictados por Hans-Joachim Koellreutter en la Escola Livre de Música da Pró-Arte de São Paulo, y estrenada por él en su primer viaje a Tokio en 1953. Al año siguiente se estrenó en París. Los rumbos que adoptó la circulación de esta obra remedan los caminos que transitó Susana Baron-Supervielle tras asumir el desafío histórico de practicar la música de su tiempo. Nacida en el seno de una familia vinculada a la intelectualidad porteña, y con lazos de parentesco que la ligaron a Francia, las primeras indagaciones en torno a la renovación de los medios y las técnicas para la composición musical las realizó en París hacia comienzos de los años treinta. A su regreso se radicó en São Paulo y, más tarde, integró la Agrupación Nueva Música liderada por Juan Carlos Paz en Buenos Aires. Este trabajo propone dilucidar las relaciones de Baron-Supervielle con el medio musical paulista; caracterizar su búsqueda compositiva mediante el análisis de la grabación de la obra citada y describir las redes interpersonales que surgen de la circulación de la obra.

Resumen En este trabajo, se presentan dos técnicas matheurísticas basadas en dos técnicas heurísticas: Sistema de hormigas (AS), método de composición musical (MMC) y dos métodos exactos: Algoritmo primal-dual (PDA) y algoritmo simplex dual (DSA). Estas técnicas se denotan como DS-ASPDA y DS-MMC-AS y se caracterizan por aprovechar la información de la estructura y características del modelo matemático para el problema de ruteo de vehículos con ventanas de tiempo (VRP-TW). Con el objetivo de caracterizar el comportamiento de las técnicas propuestas en este trabajo, se utilizaron 29 instancias de prueba para el VRP-TW. Los resultados numéricos, muestran que DS-AS-PDA y DS-MMC-AS presentan un comportamiento robusto y son capaces de generar las mejores soluciones reportadas en la literatura con un número menor de llamadas a la función objetivo para diversos tamaños de instancias.

Abstract In this work, we present two matheuristic techniques based on two heuristic techniques: Ant system (AS), method of musical composition (MMC) and two exact methods: Primal-dual algorithm (PDA) and dual simplex algorithm (DSA). These techniques are denoted as DS-AS-PDA and DS-MMC-AS and are characterized by taking advantage of the information of the structure and characteristics of the mathematical model for the vehicle routing problem with time windows (VRP-TW). In order to characterize the behavior of the techniques proposed in this work, we use 29 test instances for the VRP-TW. The numerical results show that DS-AS-PDA and DS-MMC-AS exhibit robust behavior and are capable of generating the best solutions reported in the literature with a smaller number of calls to the objective function.

Resumen La situación de la música de vanguardia dentro de los conservatorios ha estado muy condicionada tanto por los desarrollos legislativos de la enseñanza musical en estos centros como por una serie de programaciones basadas en un repertorio barroco, clásico y decimonónico cuya finalidad era "conservar" una serie de estilos muy determinados que hacían necesaria la incorporación de un catálogo más moderno. A través de las encuestas realizadas, combinando la investigación cualitativa y cuantitativa, el objetivo de la presente investigación es estudiar la situación de este tipo de música desde el punto de vista de los profesores (conocimiento de sus situación) y de los alumnos (formación que reciben al respecto). A su vez es un punto de partida a los compositores para incentivar la producción metodológica de enseñanza y composiciones para que sean incluidas en una programación anual, tomando como referencia los resultados mostrados en este estudio. Los resultados obtenidos muestran la situación de profesores y alumnos al respecto: asistencia a conciertos, interpretación del repertorio, preferencias interpretativas, inquietudes estéticas y metodologías utilizadas. En un futuro, el enfoque tomado podría ser extrapolable al resto de etapas educativas donde la asignatura de Música está presente, como en la educación primaria, secundaria o las escuelas de Música.

Abstract The Vanguard Music situation in conservatories and its Musical teachings had been developed by education laws and repertoire based on Baroque, Classical and 19th Century works whose purpose was "to preserve" certain styles. The programming was in need of updating to include a more modern catalogue. Thanks to these questionnaires, mixing qualitative and quantitative methodologies, the objective of this research is know the Clarinet teachers and pupils´ points of view about vanguard Music possibilities inside a Professional Music Conservatory. The aspects analyzed in this article, describes teacher´s profile, their academic training, formation, and application in the classroom of this kind of Music and musical academic development. Composers could be inspired to create works or compositions to be included in teaching Clarinet programming. The results show the general teachers and pupils situation, taking part in concerts (as performer or public), musical preferences between them and musical methodologies used in this education. This research could be further explored in the future by teachers who taught in Primary, Secondary, or Music Schools.

Summary The development of new music technologies necessitates changes in the content of music education. Musical pedagogy is faced with the task of educating creative musicians who are capable of innovative activities and inventive musical thinking. Therefore, primary music education should introduce creative learning technologies aimed at developing students’ creative abilities. This article analyzes the content of students’ musical and creative activities in the field of music computer technologies (MCT) illustrated by the subject “Computer Music Creative Work.” The theoretical and experimental study led us to conclude that this course not only develops creative abilities but also establishes conditions for the comprehensive and harmonious development of students’ personalities.

Resumen El desarrollo de nuevas tecnologías musicales requiere cambios en el contenido de la educación musical. La pedagogía musical se enfrenta a la tarea de educar a músicos creativos que sean capaces de actividades innovadoras y pensamiento musical inventivo. Por lo tanto, la educación musical primaria debe introducir tecnologías de aprendizaje creativo destinadas a desarrollar las habilidades creativas de los estudiantes. Este artículo analiza el contenido de las actividades musicales y creativas de los estudiantes en el campo de las tecnologías informáticas de música (MCT) ilustradas por el tema “Trabajo creativo de música de computadora”. El estudio teórico y experimental nos llevó a concluir que este curso no solo desarrolla habilidades creativas sino que también establece condiciones para el desarrollo integral y armonioso de las personalidades de los estudiantes.

O compositor Arnold Schoenberg nos ensina sobre o que o levou a renovar as leis da composição musical de seu tempo, apesar dos insultos e críticas recebidos. A partir dos escritos que nos deixou é possível notar um vazio essencial em sua música que ele sustenta, sem preenchê-lo. O caminho que traça até a invenção de seu sistema atonal, segue uma trajetória similar àquela da pulsão: uma força interior surda lhe empurra nessa direção, no entanto, ela não encontra jamais uma satisfação completa. A tensão renasce muito rapidamente, levando-o a compor mais uma vez. Se sua coragem lhe permite seguir suas próprias inclinações, e de não ceder com relação a isso, a posição de Arnold Schoenberg sobre o que o leva a compor, também inclui uma explicação mística e messiânica. Para ele a música é inspirada por Deus e se torna uma luta. Parece necessário que suas composições mantenham uma parte de enigma para o público e para os críticos, de modo que Arnold Schoenberg evite um sentimento de perseguição e continue a criar.

The composer Arnold Schoenberg teaches us about what prompted him to renew the laws of musical composition of his time, despite taunts and criticism. From the writings he left us, we have been able to identify an essential void felt by the composer that his music allows him to treat, but not fill. The path that leads him to the invention of his atonal system follows a path similar to that of the drive: a deaf inner force pushes him in that direction, but never results in full satisfaction. The tension comes up again very quickly and leads him to keep composing. If his courage allows him to follow his own inclinations relentlessly, Arnold Schoenberg’s position on what drives him to compose also contains a mystical, messianic side. His music is inspired by God and becomes a struggle. It seems necessary that his compositions keep an enigma for the public and critics, allowing Arnold Schoenberg to avoid a feeling of persecution and to continue to create.

El compositor Arnold Schoenberg nos enseña sobre lo que lo impulsó a renovar las leyes de la composición musical de su tiempo, a pesar de las burlas y las críticas. A partir de los escritos que nos dejó, hemos podido identificar un vacío esencial para el compositor, un vacío que su música le permite tratar sin llenarlo. El camino que lo lleva a la invención de su sistema atonal sigue un camino similar al de la pulsión: una fuerza interna sorda dentro de sí que lo empuja en esa dirección, en la medida en que nunca encuentra satisfacción completa. La tensión renace muy rápidamente y lo lleva a componer nuevamente. Si su coraje le permite seguir sus propias inclinaciones y no ceder, la postura de Arnold Schoenberg sobre lo que lo impulsa a componer también incluye un lado místico y mesiánico. Su música es inspirada por Dios y se convierte en una lucha. Parece necesario que sus composiciones mantengan un enigma para el público y los críticos, para que Arnold Schoenberg evite un sentimiento de persecución y continúe creando.

Le compositeur Arnold Schoenberg nous enseigne sur ce qui l’a poussé à renouveler les lois de la composition musicale de son époque, malgré les railleries et les critiques. A partir des écrits qu’il nous a laissés, nous avons pu repérer un vide essentiel pour le compositeur que sa musique lui permet de traiter sans le combler. Le chemin qui le mène jusqu’à l’invention de son système atonal suit une trajectoire similaire à celle de la pulsion: une force intérieure sourd en lui et le pousse dans cette direction, pour autant elle ne trouve jamais complète satisfaction. La tension renaît très vite et l’amène à composer à nouveau. Si son courage lui permet de suivre ses propres inclinations et de ne pas céder dessus, la position d’Arnold Schoenberg face à ce qui le pousse à composer comporte aussi un versant mystique, messianique. Sa musique lui est inspirée par Dieu et devient une lutte. Il semble nécessaire que ses compositions conservent une part d’énigme pour le public et les critiques afin qu’Arnold Schoenberg évite un sentiment de persécution et continue à créer.

Abstract In the 19th century, the rapprochement between music and philosophy was so intense that it became noteworthy. This paper explores the influence of Arthur Schopenhauer’s philosophy on Richard Wagner’s musical composition Tristan and Isolde. It takes as starting point Wagner’s texts where he claims to know Schopenhauer’s philosophy, and endorses its influence in his life and his artistic labour. This article suggests that Wagner tried to represent Schopenhauer’s metaphysics in his music.

Resumen En el siglo XIX, el acercamiento entre la música y la filosofía fue tan intenso que se hizo notable. Esta investigación explora la influencia de la filosofía de Arthur Schopenhauer sobre la composición musical de Tristán e Isolda, un drama musical del compositor Richard Wagner. Se toman como punto de partida los textos del compositor en donde afirma haber conocido la obra filosófica de Schopenhauer y asegura que esta fue de gran importancia en su vida y en su labor artística. Este artículo sugiere que Wagner trató de representar la metafísica de Schopenhauer en su música.

Resumo Desde a Grécia clássica até hoje, muitos foram os pensadores que, secundando as teorias pitagóricas, refletiram sobre a estreita relação existente entre a arquitetura e a música, chegando à conclusão de que se fundamenta na matemática. Reputados pesquisadores dos últimos tempos identificaram a materialização desta relação em grande parte dos referentes arquitetônicos construídos ao longo da história, explicando a composição de suas fachadas e a distribuição de seus volumes, a partir de regras matemáticas que também foram usadas para se compor música. No entanto, tendo em conta que a arquitetura não só compreende a arte de construir edifícios, mas também a de desenhar e construir uma cidade, é surpreendente que, até hoje, nunca tenha sido colocada a materialização desta relação na composição e no traçado de uma cidade. Neste ponto, começa a presente pesquisa, que pretende demonstrar que a relação entre a arquitetura e a música também se materializou, desde suas origens, no traçado das cidades. E, para isso, se detém no estudo da cidade de Mileto, evidenciando que seu traçado foi desenhado com base em regras de composição musical.

Abstract From classical Greece to the present day, many were the thinkers who supported the Pythagorean theories and that reflected on the close relationship between architecture and music, concluding that it is founded in mathematics. Renowned researchers of recent times have identified the materialization of this relationship in large part of the architectural references built throughout history, explaining the composition of their facades and the distribution of their volumes, from mathematical rules that were also used to compose music. However, bearing in mind that architecture includes not only the art of building buildings, but also the art of designing and building a city, it is surprising that to this day, the materialization of this relationship has never been considered, in the composition and layout of a city. Thus, this is the starting point of this research, which aims to show that the relationship between architecture and music has also materialized, since its origins, in the layout of cities. And for that it stops at the study of Miletus city, evidencing that its layout was designed based on rules of musical composition.

Resumen Desde la Grecia clásica hasta nuestros días, muchos han sido los pensadores que secundando las teorías pitagóricas han reflexionado sobre la estrecha relación existente entre la arquitectura y la música, llegando a la conclusión de que se fundamenta en las matemáticas. Reputados investigadores de los últimos tiempos han identificado la materialización de esta relación en gran parte de los referentes arquitectónicos construidos a lo largo de la historia, explicando la composición de sus fachadas y la distribución de sus volúmenes, a partir de reglas matemáticas que también se utilizaron para componer música. Sin embargo, teniendo en cuenta que la arquitectura no solo comprende el arte de construir edificios, sino también el de diseñar y levantar una ciudad resulta sorprendente que a día de hoy, nunca se haya planteado la materialización de esta relación, en la composición y trazado de una ciudad. En este punto empieza la presente investigación que pretende demostrar que la relación entre la arquitectura y la música también se materializó, desde sus orígenes, en el trazado de las ciudades. Y para ello se detiene en el estudio de la ciudad de Mileto, evidenciando que su trazado fue diseñado en base a reglas de composición musical.